要唱出中国味道

　　近日，郭兰英先生离世，引发一场跨越不同年龄层的集体缅怀。纵观郭兰英的艺术人生，她的成功，离不开乡土民间艺术的滋养。郭兰英的艺术根基，扎在山西的乡野戏台与民间烟火里。她年少学艺，常年研习山西梆子、地方秧歌、乡土民歌，没有标准化的课堂教材，没有固定的发声模板，日复一日在民间表演中打磨唱腔、锤炼身段、体会人物情绪。正是这样的学艺经历，让她的演唱、表演风格极具中国风采。

　　郭兰英留给民族歌剧最珍贵的财富，是一套扎根民间、贴合国人审美、适配本土情感表达的艺术表达体系。这份源自乡土、贴近大众的艺术特质，正是中国民族歌剧最核心、最珍贵的“中国味道”。

　　作为一名歌剧演员和高校教师，研习郭兰英作品及其艺术风格是我的必修课。在这个过程中，笔者更加深刻体会到，郭兰英的艺术看似质朴简单，实则对演唱者的气息、咬字、情感、身段有着极高的要求，也是当下很多演唱者最容易缺失的内核。

　　在唱腔与发声方式上，郭兰英最大的特点是“亮、透、真”。她不追求厚重的共鸣堆叠，不刻意炫技拔高，发声位置贴近本土民歌与戏曲的自然状态，气息松弛通透、音色清亮纯净，咬字归韵清晰利落、字字落地有声。我们在初练经典唱段时，很容易陷入职业演唱的惯性：过度追求腔体规整、声音统一，听起来标准工整，却少了乡土的鲜活气。反复对照原版打磨后会明白，民族歌剧的本真味道，不是标准化的美声腔体，而是以情带声、字正腔圆、声随字走。比如适当借鉴山西梆子的咬字顿挫、民间小调的气息舒展，弱化刻意的舞台修饰，让声音自然流淌，唱腔才会温润接地气，既有艺术性，更有烟火气。

　　在舞台表演与人物塑造上，郭兰英塑造的喜儿、小芹等人物，身段灵动自然、神态真挚朴素，举手投足间都是乡村青年的真实状态。笔者发现，诠释这样的经典角色，如果在表演中不自觉带入舞台表演套路，看似完整流畅，结果却会显得疏离空洞。有人评价郭兰英演绎的喜儿：她不是在“演”，而是在舞台上把自己曾经的苦难再经历了一回。这正是我们需要学习的地方，不装、不端、不浮，把普通人的纯粹、倔强、温柔藏在唱腔和体态里，人物形象瞬间就鲜活立体起来。

　　郭兰英的舞台艺术，最动人的地方就是“接地气”。一是语言接地气，咬字清晰质朴，贴合北方方言与民间唱腔的韵律，字字入耳、人人听懂；二是情感接地气，不空洞抒情、不刻意拔高，所有情绪都源于普通人的悲欢期许，真实克制、真诚动人；三是表达接地气，唱腔松弛自然、身段朴实灵动，褪去舞台的悬浮感，带着乡土生活的鲜活气韵，让艺术浸入人心，而非悬浮于舞台之上。

　　民间是丰富的艺术素材库。那些朗朗上口的宣叙调，都是从民间素材中提炼出来的简单的旋律和语言，是真真正正从生活里挖掘出来的。这种将生活经验与艺术追求相统一的创作方法，对当前歌剧表演创作仍有重要的启示意义。

　　音乐也很重要。民族歌剧脱胎于戏曲，又区别于戏曲。新歌剧发展之初，当时的艺术家就提出“要在中国戏曲基础上发展新歌剧”“新歌剧的演员要掌握两种到三种地方戏曲”，《白毛女》创排时，还专门用一个学期的时间让学员们学习中国戏曲，用戏曲的表现手段来丰富和提高他们的表现能力。

　　回望经典民族歌剧作品，形是歌剧，魂是民间，旋律多来自乡土小调，唱腔源自传统戏曲，情感源自百姓生活，每一段旋律、每一句唱词、每一个身段，都带着独属于中国大地的烟火气韵与民族风骨。我们发展民族歌剧，并非把戏曲直接搬过来，而是要充分利用从戏曲中继承而来的宝贵经验，开展创作，丰富我们的表达方式，唱出有别于西方歌剧的独特韵味。

　　郭兰英的艺术实践以及过往经典作品的成功经验，为中国民族歌剧标定了方向：民族歌剧之“民族”，不只是中国题材、中国故事的表层标签，更是中国声腔、中国气韵、中国审美的深层内核。其生命力不在于技法的极致、形式的华丽，而在于从民间沃土中汲取的鲜活灵气。民间艺术，藏着中国人最本源的审美基因，藏着中国文艺最深厚的文化底气，永远是民族歌剧取之不尽、用之不竭的源头活水。

　　（作者：赵碧波，系哈尔滨音乐学院声乐歌剧系副教授，歌剧演员）