在都市抒写山水田园诗

    【艺海撷英】    

    “坐看红树不知远，行尽青溪不见人”。这是唐人王维在诗中营造的山水田园意境。当步入上海刘海粟美术馆一楼展厅，穿过青绿色的园林景墙，驻足“静观万象——郑文山水画展”前时，周遭一切都安静了下来，叫人恍若置身王维的诗画之中。随着画家的笔墨叙事，观者或山间徐行，或春溪泛舟，游走于山水和田园之间，与古人心会神契。

    不同于中国山水画惯见的浓墨重彩，郑文笔下的山水是简淡的、妍雅的，没有丝毫“墨气”，甚至有些显得过“白”。但细品，无声处却蕴含着万千气象，沉静中实有一条通往时间深处的河流。从事山水画创作三十余年，长期致力中国山水画的教学和研究工作，如今担任华东师范大学美术学院副院长，郑文以其山水画创作在海上画坛成了一个独特的存在。

    读郑文的画，最强烈的感觉就是静。简单、干净、安静，这是她生活和工作的日常。“山静似太古，日长如小年”，郑文曾援引宋人唐庚的诗将自己的画集题名为《山静日长》。一个“静”字，无疑是她最为向往的人生态度和生活愿景。

    寄怀自然、隐居山林的诗画从来就是中国艺术的圭臬和渊薮。静，是郑文山水画的出发点，也是她笔墨和心灵的归宿，最终抵达的是中国文化中的诗性，是对那种最本初的纯净的崇尚和追寻。艺术评论家徐明松引了海德格尔那句“诗意的栖居”来评价郑文的山水画创作，并进一步阐发道：“在历史的现场，郑文与古为徒，与古为新。她以女性温婉柔润的特质，娓娓道来关于山水画起承转合的笔墨叙事，不卑不亢、不疾不徐、从容自若，为当下的观者呈示了穿越千百年来或隐或现的文脉线条。”

    这样的从容自若，和性格有关，更来自画家数十年间一次次重返传统得来的底气。在华东师范大学美术系中国画专业学习期间，她几乎临遍当时所能获得的宋元明清山水画经典作品。和后来素净简淡的风格不同，当时她的画风宽厚有力，莽莽苍苍，颇有些大将风度。

    留校任教后，郑文继续一头扎进传统，从范宽、郭熙起，历赵孟頫、元四家、沈周、文徵明、龚贤，直至“四王”“四僧”等，一一涉足。出于教学研究的需要，郑文更为留心探究传统山水画作品形成的内在产生机制。2006年起，郑文从“格法”入手，开始系统梳理山水画传统的本源。她认为，格法是传统山水画得以传承和演化的基础，是传统绘画的精髓所在。由此她开始了十年的“白画”创作。

    转向“白画”这一方向，郑文当时并不被人看好。显然，这样的画不适合参展参赛，很难得到关注，但她仍坚持走自己认定的路。这一时期的“白画”创作，是她深研传统而留下的足迹，也是一种体现为作品形式的“读画笔记”。长时间深入传统、抽丝剥茧，她将传统的山脉、景观、园林结构，甚至每棵树的结构都研究透彻了。很多传统的物象画法她都分门别类地探究过，从造型到笔势，已了然于心。也由此，她得以自由出入传统，不管怎么画，也不管画老的还是新的，都能实现自我心性对山水自然的一种观照。

    “白画”之后，郑文重拾当年学习花鸟画时期的没骨画法，用当代没骨法重构心中的大山水意象。彼时，色彩重新回到了她的视野，她将古淡妍雅的色彩基调注入自己的画面，平淡中蕴丰富、通透中见浑厚，使得笔下一贯的江南韵调更上层楼。她用没骨法来表现山石，但树木还是古法用笔，这样一来，画面上就呈现出了大理念和小细节的映衬之美。

    从展览的第一部分“画格文心”起，一路行至终篇“城市山林”，观者能够清晰地看到画家在传统和时代中所走过的路径。传统资源为画家提供了丰厚的滋养，使得她乐于随遇而安，从容不迫地写出自己心中的一片江南。

    “人是不可能独立于传统而生活的。”回望自己走过的创作道路，郑文认为，最大的源泉来自传统。她说：“传统是一个宝藏，当你以不同的视角、不同的阅历去重新观看它时，它会给你无穷的灵感。回到传统，理解传统，你会觉得很踏实。用传统来审视和表现当下，表现鲜活的生活，则是下一步要做的。”

    郑文的山水画作中几乎没有人物。寻遍展厅，方在一件作品中见到溪边放棹的两人。身在都市的画家为观者绘出一片桃花源，这是对人与自然这一永恒主题的时代表达，让人时时沉浸、流连。用上海大学上海美术学院副教授、博士生导师胡建君的话说，“郑文意图梳理完整的山水脉络，构建宏阔而开放的宇宙观，描绘心中的一片江南，映照传统与未来。这是她理想的内心图景，也是她写给时代的山水散文诗。”

    （作者：颜维琦，系本报主任记者）