意大利文艺复兴艺术的创造与发现

　　14世纪意大利人文主义奠基人彼特拉克曾说，文艺复兴的精神在于回到古典时代的澄澈光辉中。在那个时代，无数学者、诗人和艺术家拨开精神的迷雾，赞颂人性的光辉，凭借出众的才情共同铸就了不朽的艺术殿堂。近日，素有“文艺复兴艺术宝库”之称的意大利乌菲齐美术馆携36件意大利文艺复兴杰作来华，与中国美术馆联合主办“致敬巨匠：从达·芬奇到卡拉瓦乔——意大利文艺复兴名作展”，让中国观众得以饱览世界级美术瑰宝，感受文艺复兴艺术穿越时代的澄澈光辉和人性回响。

1.土地与荣光

　　文艺复兴是14世纪发端于意大利，并在15至16世纪达到高峰的一场重要文化运动。文艺复兴不仅是古典文化的复兴，更是一场深刻的社会与心理革命。意大利在文艺复兴时期具有特殊的文化领导地位。佛罗伦萨、罗马、威尼斯等城市不仅是文艺复兴的地理起源地，也是其精神、艺术与学术的中心。

　　尽管意大利在19世纪中叶才成为一个政治实体，但意大利民族的精神文化结构早在14、15世纪就已逐步形成。意大利半岛的地理环境为那一时期政治和经济的高度发展创造了有利条件。环绕北部平原的阿尔卑斯山阻挡了来自北方的寒风和外敌，与绵延的海岸线共同勾勒出统一的文化轮廓。亚平宁山脉由北向南延伸至西西里岛，向南沉没的群峰宛如鱼背，高耸的峭壁则形成天然防线，两侧铺展着辽阔且肥沃的平原和丘陵，其间诞生了一个个繁荣的商业中心。

　　13世纪末期，神圣罗马帝国的实力和教皇权威日益衰弱。在相对稳定的社会和政治环境中，意大利半岛上出现无数个争强斗胜的独立王国。掌控政权的寡头豪强励精图治，依靠城邦积极发展与欧洲各地以及中东地区的商业贸易，意大利因此成为亚欧大陆的桥梁、丝绸之路的欧洲终点。半岛上随即形成了人口集中、经济繁荣、生活富裕、竞争激烈的城邦发展态势。比如，这一时期佛罗伦萨和米兰的人口超过10万，拥有大量高效率的行会和作坊，生产出深受欧洲各地喜爱的奢侈品，成为金融、贸易和手工艺的中心。其他城市也紧跟其后，蓬勃发展。

　　商业繁荣催生了炫耀性的消费文化。掌控政权的贵族和富人们竞相彰显自己的财富、文化和学识，他们资助思想家、文学家和艺术家，期望后者创作出精彩绝伦的绘画、雕塑、诗歌和散文，颂扬城市的荣耀和他们的功绩。达·芬奇担任米兰公爵的军事与艺术顾问，米开朗基罗受到美第奇家族的支持，提香效力于费拉拉公爵，拉斐尔则受罗马教廷和乌尔比诺宫廷资助。这些艺术家的作品既代表了城邦文化成就，又为资助者带来了良好的声誉。由此，商业财富通过艺术、建筑和学术领域的成就转化为社会和政治地位，从而铸就了文艺复兴时期的辉煌。

2.“我是艺术家”

　　意大利文艺复兴时期的作家乔治·瓦萨里曾写过一件轶事：米开朗基罗曾当着教皇的面反驳其对工期的逼问，他厉声说道：“天顶壁画的完工时间将取决于它是否能令我这个艺术家感到满意！”这份理直气壮在文艺复兴时期之前是难以想象的。在这一时期，艺术家的地位从工匠转变为拥有英雄般才华的天才，人文主义则是这一转变的底色。

　　与中世纪经院哲学决裂，学习古典拉丁文和希腊文手稿，崇尚和回归古希腊罗马文化生活，是但丁、薄伽丘、彼特拉克等人文主义者的精神标志，他们唤起了人们对古典文化的热忱。他们进入意大利各地的秘书厅，倡导豪华而文雅的生活方式——宫廷的桌子上重新出现古老的花瓶和水晶酒杯，政客们模仿西塞罗的文采写起演讲稿，美第奇家族的女儿们也开始学习拉丁文，像达·芬奇这样的全才则成了人们心目中理想人格的代表。

　　到了15世纪中期，人文主义已经渗透到意大利文明的各个方面。其中，最重要的思想转变在于人的个体身份得到了肯定，一个人不再由其与教会或种族的联系来塑造，而是仅仅因自身的存在而有意义。人文主义者强调自我意识和个人价值，主张通过教育树立人的信心，尽可能地发掘人的潜能，培养具有创造力的全面发展的个体。对于艺术家来说，这种精神上的个人觉醒让他们对自己的独特天赋和精湛技艺信心满满，也让他们愈加勤奋努力，通过杰作证明自己的非凡才华。

　　当时要成为艺术家，必先经历模仿师傅风格、练习基本技能的学徒期，而后经过能力核鉴加入由大师组成的行会，取得经营工作室的资格，继而承接委托，建立职业声望。艺术家们越来越认为自己是被委托作品的最重要的参与者，他们在创作中展现自己的风格，通过作品表达对古希腊罗马神话和历史中象征主题的看法。达·芬奇对于贬低艺术家职业的人极为敏感，他将绘画提升至与诗歌同等的高度，甚至认为画家更能完整地传达思想。当保罗·委罗内塞被宗教裁判官质问，为何在《利未家的宴会》中加入像小丑、侏儒这样“令人不快”的元素时，他回答道：“我们画家就像诗人和疯子一样拥有创作自由。”

　　随着人们对技艺和风格的日益欣赏，艺术家的社会地位逐步提升。提香甚至被授予骑士头衔，在自画像中，他佩戴金链勋章，手持画笔，完美展现了气质优雅的职业形象。到16世纪中期，瓦萨里所著传记中的艺术家们，被颂赞为拥有罕见天赋的神赐之人，闪耀着英雄般的夺目光辉。

3.人性的觉醒

　　文艺复兴时期的人文主义者强调人类在宇宙中的美与重要性，认为人类本质上是理性、美丽和高尚的，而非低劣、邪恶和软弱的。他们认为，应该在学术著作中颂扬人的思维和成就，在建筑设计中展现人类社会的优雅，在艺术作品中赞美人的尊严、情感和理性，以及人体的美。

　　这一时期的艺术家将古罗马建筑师维特鲁威的几何比例概念奉为圭臬，并在实践中发展了人体解剖学结构、线性透视法和对称性构图，体现了以人为中心的有序的世界观，而对身体姿态和内心世界的生动刻画，更彰显了对人性崇高的赞美。

　　多纳泰罗的雕塑作品《大卫》召唤古典时代的人体美，持剑的纤柔少年将巨人的头颅踩在脚下，彰显人性的觉醒和生命的尊严，引领文艺复兴的艺术潮流。在达·芬奇和米开朗基罗的笔下，高度写实的人体展现出肌肉的力量和运动的活力。拉斐尔的表现手法则细腻精巧，将《手拿苹果的青年男子肖像》刻画得生动立体，画中青年神态内敛、目光沉静，尽显优雅与尊崇。乔凡尼·贝利尼的《青年男子肖像》通过精准的面部刻画和服饰质感塑造，还原了人物的身份与气质。雅各布·祖基的《白银时代》则借古典神话展现了人类社会的劳作与纷争，深刻探讨了人类文明的兴衰。卡拉瓦乔的《美杜莎》展现了美杜莎临死前的惊恐与痛苦，体现了对戏剧性场景和人物心理的敏锐捕捉。

　　与中世纪绘画中女性的单一形象不同，文艺复兴绘画中的女性身份多元，展现了这一时期女性的生活样貌和情感魅力。这一时期画作中的圣母玛利亚总是置身于现实场景中，生动如邻家少女，或低眸垂目，或紧抱婴孩，传递出如水般温柔的母爱。桑德罗·波提切利让爱神维纳斯在海沫中诞生，她那羞涩的表情、柔美的面庞、凝脂般的肌肤和瀑布般的金发，正符合当时世人对理想女性形象的期待。达·芬奇的《蒙娜丽莎》被认为是文艺复兴时期最具代表性的作品，画家并非侧重于描绘人物的外貌，而是突出其个性，运用了“渐隐法”这一色彩融合技法，推动了女性柔和面容的审美趋势。

　　本次“致敬巨匠”展览的重磅展品——提香的《花神》中，手持花束的威尼斯美人就像盛开的鲜花般令人倾慕，转身间，她的衣裙半落、秀发披肩，健壮的身体充满青春的活力，焕发生命的光彩。委罗内塞的《美神和战神》则展现了当时男女在审美标准上的差异，战神马尔斯胡须浓密、身材健硕，美神维纳斯金发碧眼、皮肤白皙，安静地倚靠在战神身上，侧面表现了当时对女性应温柔顺从的社会期望。米开朗基罗笔下的女性则往往带有一种超越性别的英雄气概，力求达到崇高的完美境界。

　　意大利文艺复兴时期的画家以各自惊人的才能，共同织就了人性觉醒的瑰丽画卷。在他们的笔下，人才是世界真正的主角，他们的使命就是让人性的光辉在画布上流淌绽放。

4.艺术与科学的交响

　　意大利文艺复兴艺术正如一座百花齐放的花园，佛罗伦萨画派、威尼斯画派，以及罗马、米兰、翁布里亚、帕尔马等不同地方流派在这座花园中竞相绽放。

　　被称为“鲜花之城”的佛罗伦萨是意大利文艺复兴艺术的起源地。美第奇家族的统治推动了艺术的繁荣，大师云集，杰作频现，乌菲齐美术馆也坐落于此。佛罗伦萨画派的先驱乔托据传是“意大利绘画之父”奇马布埃的徒弟，在他的笔下，神褪去光环，与凡人无异。通过表现柔和的光线、细腻的表情，乔托画作中的宗教故事画面呈现真实感，宗教人物也有了世俗情感。被誉为“现实主义开荒者”的马萨乔深入研究光的明暗和透视法，突出光影变化，拓展透视短缩法，增强立体效果，渲染人物活动的空间氛围，使画面更加自然和真实。波提切利的才能不仅体现在卓越的绘画技法上，还表现在其对古典艺术人文思想的深刻理解。他以优美的线条描绘神话人物，通过《春》《维纳斯的诞生》等画作展现理想化的古典女性之美，以及令人向往的精神境界。波提切利为佛罗伦萨留下了不朽的传世杰作，为新一代艺术家树立了典范。

　　意大利“文艺复兴三杰”达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔虽然受业于佛罗伦萨，但并未留在这里发展。达·芬奇被称为“全能者”，他在医学、科学、工程和艺术领域都建树卓著，是文艺复兴时期全面发展的大师。在绘画领域，他勤于观察和思考，随时随地用素描记录事物和灵感。他善于运用透视法、明暗对比和晕涂法来营造和谐、柔美又神秘的气氛，他的画作中蕴含着精妙的比例结构、逼真的动作表情，可以说他是一位“研究型画家”。《最后的晚餐》等旷世之作，让达·芬奇声名远扬。

　　米开朗基罗的作品充满了立体感和运动感，展现出戏剧性的张力和震撼效果。他从小欣赏美第奇家族“雕刻花园”中无数的古典雕塑，对人体比例和肌肉骨骼的构造了然于胸，将人体之美奉为圭臬，并最终在《大卫》等作品上展现出来。他对于人体美的直接宣扬，在当时具有大胆挑战权威的创新意义。拉斐尔自幼接受良好的人文主义教育，17岁便承接订单。他善于将众家之长融会贯通，既注重真实的透视和严谨的比例，又追求精致的描摹和明丽的色彩，画风温和唯美、细腻精妙、优雅高贵。他既擅长表现圣母子的脉脉温情，也能处理宏大的主题，比如著名的《雅典学院》，这位多产的大师将文艺复兴盛期的艺术成就推至最辉煌闪耀的阶段。

　　与重视草图设计、强调数理规则的佛罗伦萨、罗马等意大利其他城市的艺术流派相比，威尼斯画派更注重色彩的感官趣味和人物形象的动感效果。也许源于这座城市的潋滟水光、享乐主义和拜占庭艺术传统，威尼斯人更钟情于流光溢彩的视觉效果，追求五光十色的感官刺激。贝利尼热衷于用鲜亮、明晰的色彩描绘人物和风景，他在《列奥纳多·洛雷丹总督像》中以深蓝色背景与金色刺绣长袍的强烈对比，营造出庄严而神圣的视觉效果。安德烈亚·曼特尼亚娴熟运用透视法为贡扎加家族绘制了婚礼堂天顶画，将观赏者的目光锁定在屋顶圆孔中的蓝天白云上。乔尔乔内画作中的风景色阶入微、层叠丰富，人物形象自然融入，画作呈现出浓郁的诗情画意，其代表作《暴风雨》便是最佳例证。

　　提香打破了当时主流的素描勾图传统，开创了在帆布上直接进行色彩堆积的技法，以自由笔触和多层罩染来塑造形体，其《田园合奏》画面柔和，如沐暮色柔光，《酒神巴库斯与阿里阿德涅》则择取神话题材，人物动感强烈，色彩对比鲜明，充满了戏剧性的张力和表现力。丁托列托运用想象力，将提香的色彩与米开朗基罗的素描创造性地结合起来，烘托出极具视觉冲击力的宏伟画面。威尼斯画派以鲜艳斑斓的色彩、动感激荡的画面、梦幻诗意的氛围，成为意大利文艺复兴花园中的仙葩，唤醒观众的感官体验，激荡起跨越时空的心灵共鸣。

　　当艺术家们的目光从千篇一律的宗教题材转向自然山川、世间百态和人类自身时，一个全新世界的大门敞开了。

　　菲利波·布鲁内莱斯基等关于线性透视法的数理研究和艺术实践，既让绘画摆脱了平面束缚，让观者身临其境，又将视觉经验数学化，为解析几何的创立提供了思想雏形。空气透视法的开拓推动了光线散射现象的发现，启发了后世对大气光学的研究。达·芬奇对万物拥有无尽的好奇心和丰富的想象力，他沉迷科学研究，设计机械、研究流体力学，因为注意到水流漩涡与卷发的相似性，甚至提出了“自然界存在统一的运动规律”的观点。达·芬奇对科学的执着不仅激发了艺术领域的创造力，更为物理学、解剖学、血流动力学、航空工程学、机械制造学等现代科学的奠基作出了杰出贡献。威尼斯画派强调色彩表现力的核心地位，群青、朱砂、胭脂红等昂贵颜料被广泛使用，画家对颜料性能的极致追求推动了对矿物、植物染料的提纯与稳定性研究，还为近代化学提供了大量可验证的经验数据。

　　意大利文艺复兴艺术异彩纷呈，大师迭出，在彰显人性真实与美的同时将人类认知提升至崭新的境界。这一时期的艺术巨匠怀抱崇高的人文精神，凭借登峰造极的技艺创作出风格各异的巅峰之作，更展现了他们对美、人性、哲学与科学的深刻理解。可以说，他们彻底改变了西方艺术史的进程，进而也影响和塑造了整个西方现代文明。

　　从达·芬奇到卡拉瓦乔，意大利文艺复兴艺术以其不朽的创造与伟大的发现，将人性的荣耀镌刻为人类文明的共同遗产。当我们驻足凝视这些跨越时空的艺术瑰宝时，也在回望那个光辉的时代，它将指引我们在未来继续探寻美、人性与真理的道路。

　　（作者：诸葛沂，系东南大学艺术学院教授）