相机的原理揭示摄影的本质

    【底色访谈】

    无论是朦胧迷幻的画面，还是饱和的色调，黄晓亮的影像作品很容易让人产生一种观看19世纪欧洲绘画的感觉。然而，他创作的核心概念却始终未曾离开过摄影。在努力创新媒介形式的同时，黄晓亮一直在探索摄影的本质属性——光与影，或者说被其称为“影像感”的东西。为了传达一种既真实又虚幻的效果，他将一张张经过编辑、重组的照片转换为更单纯的光影，投影在墙上，并重新拍下来。这些经过艺术家“转译”的影像，看似与摄影理念背道而驰，实则殊途同归。因为最初被他以光影形态记录下来的那些东西，经过主观提炼之后，最终也用光影的形式再次呈现了出来。

    近日，“无寻”黄晓亮个展在北京798艺术区see+画廊展出，本报记者就摄影创作对其进行了采访。

    记者：你一直很强调摄影的本质属性，即“影像感”。怎么理解这个词？

    黄晓亮：我对摄影的理解一直在改变。上学的时候，我也拍过纪实的东西，后来也玩过暗房，以及数码后期合成之类的。一路过来，该尝试的几乎都试过了。对我来说，摄影这种媒介还是用绘画来做对比，才比较明确一些。它们两者最大的区别就是绘画没有“影像感”。

    “影像感”其实就是光影的感觉。这是由媒介自身散发出来的一种气质，是别的东西无法替代的。即使画一幅画，画出了特别像照片或者特别像电影的画面感，你还是会觉得它是一幅画。但如果拍了一张照片或者一个录像，这个画面的感觉就完全不一样了。

    记者：你刚才提到的一个关键词是“影像感”。对你来说，这是否也是摄影最本质的魅力呢？

    黄晓亮：没错。我们使用一种媒介，最重要的是应该找到它的本质特性。因为在很大程度上，艺术就是在体现一个媒介的自然特性。如果能在创作中，把所用媒介自身最有魅力、最朴素、最本质的东西给体现得比较好，这个作品肯定会有吸引力、有力量。

    媒介不一样，它们所能承载的内容也是不一样的。在某种程度上来说，绘画不是对现实的直接体现，更多是意象的表达，而摄影会更直接。优秀的艺术家，每一个都是运用媒介的高手。当我们说一幅画或一张照片很好，其实很难一下子说清哪里好，其实这就是艺术家能熟练地运用媒介表达自己的思想，能够让媒介特性自然地呈现出来。这跟做菜是一样的，一盘放了很多调料的菜，人们肯定觉得不好吃，不算美味。因为好吃的菜应该要让人吃出食物的本味。摄影也是一样的道理。

    摄影要用到相机，相机的原理就揭示了摄影的本质——就是小孔成像，就是光影。把这个问题想好以后，从光影出发，之后就有了那些拍影子的作品。

    记者：但是，你作品中的光影又不是直接从现实中捕捉而来的，而是经过选择、绘制、放映之后重新拍摄的，为什么要采用这样的方式呢？

    黄晓亮：最简单的元素，往往才能体现出最强大的力量。以“日常”系列作品为例，我在傍晚看到一个特别漂亮的场景，但这种“被吸引”通常是在无意识状态下的，并且大多数情况下只是画面中的某一部分吸引了我，这一部分或许还被我的主观意识给强化过。假如想要表达这个东西，我就必须紧紧抓住这个点，在最终的作品中体现、强调它。其他多余的部分，有可能是一棵树、一片纹理、一种颜色，我就会把它从作品中去掉。

    记者：这样的影像作品，具体的创作流程是怎样的？

    黄晓亮：对于选定的照片，我需要先在电脑上将其重新绘制一次——描边、上色，然后制作成许多张胶片。大家会有这样的经验：在强烈的阳光下，影子会很清晰；而在微弱的阳光下，影子会很模糊。我将不同的胶片叠加投影在墙上，通过控制光源的颜色、强弱和距离，来模拟现实中的光影层次。这个过程需要很长的调试时间，当达到想要的效果后，我才用相机拍下来。

    我一直用这样的方式做作品，因为当第一时间看到这个场景的时候，我是用影像的思维去理解它的，那么在最后呈现的时候，我也一定要用影像的感觉。在我通过照片制作投影用的胶片时，其实在电脑里描绘出来的那张电子图片已经是一幅画，而不是影像了，它的性质已经变了。所以，我就一定要用投影这个过程，还原影像力，达到我想要的那种影像感。

    记者：你早期作品都是黑白的，为什么最近几年开始创作彩色作品了？彩色给作品带来了什么？

    黄晓亮：这就是艺术家的成长，到一定的阶段就会出现创作上的转折，想要尝试新的东西。颜色会强化我想要的那种感觉。在我现在的这些作品中，会出现大面积的蓝色，这是因为大部分照片都是在夜幕降临时拍的，那个时间色温是很冷的，但是夕阳又很暖，那种冷暖对比非常强烈。通过蓝色，我可以把吸引着我的那种感觉强化出来。

    记者：回顾这些年的创作，你觉得自己有没有一个一以贯之的东西？一条从未偏离过的线索？

    黄晓亮：回忆、希望，还有那种比较温暖、比较忧伤的情绪。我觉得这种东西好像是大部分艺术家都逃离不了的，只不过每个人的切入角度有所不同。

    （本报记者 马列）