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【深度解读】
荷兰画家文森特·威廉·梵·高（1853—1890），也就是大家熟悉的“梵高”，是后印象派先驱，著名作品有《星夜》《加歇医生肖像》《罗纳河上的星夜》等。梵高所处的时代，主流艺术仍是学院派，作为新兴画派的印象派尚未被接受，更别说后印象派了。梵高短暂的一生充满坎坷和困苦，他生前只卖出过一幅油画。但他热爱绘画又很敏感，敢于尝试和创新，他将景物重新构造和抽象，表现出所描绘景物的本质；他具有现代感的画像突出主观感受，表达真实情感，传递人物灵魂。没有哪位艺术家像梵高那样充满传奇，他的故事一直流传，从未间断。
动画电影生成术
2015年是梵高逝世125周年，为纪念他，从2012年开始，荷兰BreakThru Films和英国Trademark Films动画工作室便开始筹拍动画电影《至爱梵高》。2017年该片正式上映，这部历时6年的95分钟全手绘油画动画电影，取材于梵高近百幅画作和800多封个人信件，包含了6万多帧梵高油画风格的图像，制作成本约为500万美元。
决定拍这部动画电影时，波兰画家、导演多洛塔·科别拉（Dorota Kobiela）正处于人生的低谷，读过梵高一些个人信件之后，使她在情感上更加理解梵高，产生了拍摄这部影片的最初创意。她认为只有手绘才能传递出最好的感觉，最真实地表达出油画的境界，展现出梵高作品想要表达和阐述的思想。于是她决定将动画和绘画分层进行：在动画方面，由专业演员模仿梵高人物作品的动作，实景实拍，再经过数字绘景，制作成梵高油画风格的动画视频。在绘画方面，由专业油画师根据这些动画视频进行二次绘画，同时创作其他场景，使梵高作品的笔力和色彩能够重现，解读重构梵高的作品。最后，将风格统一的绘画再次进行后期制作，成为手绘油画动画电影。
为了保证贴近梵高的客观视角，多洛塔并不想添加任何非梵高创作的画，但为了叙述电影故事的完整性，她不得不在绘画之上添加更多的场景。于是在电影中，彩色的镜头是梵高绘画中的人物和场景，代表着梵高的视野；而类似闪回的黑白镜头则不是梵高绘画中的场景，是创作者为了完善剧情而设计的场景延伸，基于那个年代的黑白摄影，让影片展现梵高生活中的一些重要片段。
影片的主角实际上是梵高好友邮递员的儿子阿尔芒·鲁兰，真人拍摄部分由道格拉斯·布斯演绎，主要通过他的经历来讲述梵高的故事。梵高由罗伯特·古拉奇克扮演，片尾根据梵高自画像制作的梵高对观众的凝视成为影片的经典镜头。而加歇医生则是由杰罗姆·弗林扮演，他因扮演过美剧《权力的游戏》中的雇佣兵波隆，给人留下很深的印象。
电影中的技术
在人物动画拍摄和后期特效制作的具体过程中，视觉特效主要通过高科技交互式摄影控制系统（Motion Control System，简称MoCo）配合绿幕（或蓝幕）完成，采用绿幕（或蓝幕）是因为在电脑后期制作过程中能够轻易地将绿色（或蓝色）替换而保留其他部分。
演员们在绿幕（或蓝幕）环境中模仿原画中的人物进行相应的表演，导演通过MoCo系统辅助拍摄，专注于捕捉演员的表情动作和场景调度，同时利用传感器信号捕捉设备将环境以图像数据的形式记录下来，并用计算机对该图像数据进行处理，得到时间空间坐标，再经过CGI输出后期合成和动作影描制作技术（Rotoscoping）处理，制作出油画效果的动画视频供油画师参考。
MoCo系统和Rotoscoping技术是实现影片特效的关键技术。MoCo可以同时同步控制摄影机和灯光等的运动路线及拍摄速度，是一套结合硬件设备、电脑和摄像机的拍摄用自动化设备。它通过电脑等控制摄影机的运动轨迹，不断精确复制移动的视点，以形成一个独特完整的特效镜头。
比如影片开场时那个宛如梦境的长镜头，首先是月亮的长焦特写，之后镜头缓缓摇下，积云翻滚，镜头变快，积云向上不断快速涌动，随着云层散去，镜头变缓拉远成为广角，星星、黑色柏树出现，镜头旋转，村落、房屋、街道和人物依次出现，当主角出现时镜头拉近再次变成特写，一幅完整的《星夜》呈现出来。片尾那个长镜头也是如此拍摄的，构成了《罗纳河上的星夜》。笔者认为，导演就是采用MoCo实现跟踪、升降、变焦、旋转、对焦等，相互组合搭配、重复使用，一气呵成地完成了这两个独特壮美的镜头。
操作人员通过MoCo精确地知道摄影镜头的时间空间坐标，按照拍摄内容安排出场时间和调度，在前期拍摄时就知道拍摄物体的视角是否和要合成的数字画面一致，可以预览合成效果，达到最佳效果的同时节省了后期制作的时间。MoCo的功能非常多，使用成本也比较高。
而利用Rotoscoping技术， 可通过电脑插值计算把真人扮演的视频片断加工成类似油画的效果。利用插值软件在处理速度方面比其他方式更为快捷。通过MoCo捕捉和Rotoscoping加工，油画效果的实拍影像动画视频基本成型，用来供油画师当参考物。因为要加入更多的细节部分，需要油画师一帧一帧地将实拍影像动作再绘制出来。
梵高作品画布尺寸不同，而电影画幅是固定的，所以一些镜头不得不改变某些作品原本的尺寸，进行裁剪或扩展。而通过从上往下摇镜头的方式来展现一些垂直画布的作品，这样就不需要改变原作。梵高众多作品表现不同的季节，但电影主要展现的是梵高去世前后那段时期，所以需要对有些作品进行色彩、色调上的调整，以保证整部影片的风格统一。
为了解决这些复杂的问题，制作团队开发了名为PAWS（Painted Animation Work Stations）的工作站系统，它包含了相机、电脑、投影、监视器、光源和画布等。每位参与的画师都经过了短期的培训，有一个开放的相对独立的小格子间工作站，既可相互交流，又能互不打扰。之前由演员实景拍摄、数字绘景所创建的动画视频作为参考物布置在画布上方，或者投影在画布上。画师能够更加专注于绘画本身，一帧接一帧地画下去。重复绘制的数量视很多情况而定，比如镜头的运动、人物的数量、运动的形式等，精确地控制每一帧的精度。最后，后期制作人员将油画师们绘制的油画通过电脑合成，制作成风格统一的油画电影。
类似的手绘油画电影
《至爱梵高·星空之谜》实际上就是一部传统的动画片，只不过是采用手绘油画风格制作的。
与之类似的影片也有很多，只是都比较小众。比如2006年理查德·林克莱特执导的，基努·里维斯、小罗伯特·唐尼和薇诺娜·瑞德等主演的《盲区行者》。该片改编自美国著名科幻作家菲利普·K·迪克的小说《心机扫描》。电影使用Rotoscoping技术，将真人拍摄的视频片断直接后期加工成类似油画效果的电影，一方面保留了足够多的现实感，另一方面更能够体现出那种狂乱状态下人物的感觉，相比成本较低的纯动画或传统影片，更好地把观众带入了一个真假难辨的迷幻世界。
扎克·施耐德执导的《300勇士》（2006年）和《守望者》（2009年）也采用了类似的技术，油画般的镜头基本还原了漫画的情节，被漫画爱好者誉为“神来之作”。
近年来采用传统手绘制作方式的动画片有复苏迹象，2017年年初上映的美国莱卡工作室原创定格动画《魔弦传说》，有1359个镜头133096帧画面，为主角“久保”创造了4800万种不同表情和神态的组合。2017年北京国际电影节期间上映的英国手绘动画《伦敦一家人》，用色彩艳丽、美轮美奂的彩铅手绘画风，细腻温柔地讲述了一个美好的童话故事。而世界上第一部长篇纯手绘动画《白雪公主》（1937）则使用了30万幅画面。无论是早期受到技术限制而不得不采用的手绘，还是如今这种高科技手段下的复古风格，手绘这种平静如水的方式，却使得讲述的故事刻骨铭心、感人至深。
全手绘油画动画片《至爱梵高》虽然在技术方面没有特别的创新，在艺术方面也没有特别的投入，但它带给人们的是一种独特的感受，就像印象派画家首创了在画布上捕捉肉眼所见的第一印象，革新了观看与描绘自然的方式一样。电影中一帧一帧的油画画笔作画镜头，让观众感觉自己仿佛是梵高，正在一笔一笔作画，捕捉着光影的变化，感受着万物的气息，用心体会他的所思之深、所爱之柔。
摄影在19世纪中期逐渐被大众使用，但在摄影技术发明之初，许多艺术家认为它只是对真实艺术的平庸模仿。而印象派则认为摄影是一种观察现实的有力方法，使他们能够分析动作，注意肉眼通常忽略的细节，能够仔细地观察物体，捕捉瞬间。也正是摄影的普及，印象派那种自发性的感觉逐渐被人接受，以梵高为代表的后印象派，不满足于刻板片面地追求光色，而是强调作品要抒发自我感受和主观感情，由客观再现走向主观表现，用作者的主观感情去改造客观物象，表现出“主观化了的客观”，由此开启了现代艺术的大门。
《至爱梵高》巧妙地将印象派和摄影技术结合起来，正如影片所说的“Two hearts， One mind”（心灵相通），相对于24帧/秒的普通电影，或者更加清晰的高帧率（60帧或120帧）电影以及宽银幕电影，该片以12帧／秒的速度和近似于正方形的画幅放映，像是历经沧桑的古董，带着岁月沉淀的痕迹，呈现出了更加流动梦幻的效果。对那些没有机会欣赏梵高原作的人们来说，走进影院欣赏这部精彩的艺术电影，就是走近梵高，了解梵高，向梵高致敬。
（作者：张春涛）
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